In der Kunstgeschichte hat Nacktheit nicht nur eine Bedeutung; Sie kann alles ausdrücken, von Unschuld bis zu sexuellem Verlangen, von Triumph bis zur Niederlage. Der Kunsthistoriker des 20. Jahrhunderts, Kenneth Clark, unterschied zwischen dem „nackten“, was unbekleidet und beschämt bedeutet, und dem „nackten“, also dem Körper in seiner schönsten Form. Die meisten Menschen verwenden die beiden Begriffe heute jedoch austauschbar.
Die einflussreichsten männlichen Aktstatuen stammen aus dem antiken Griechenland, beginnend im sechsten Jahrhundert v. Chr. Es gab mehrere Gründe für diesen kulturellen Fokus auf den nackten männlichen Körper – tatsächlich ermutigte die Klassische Filtologin Larissa Bonfante, griechische Nacktheit nicht nur als Kleidungslosigkeit, sondern als ein „Kostüm“ an sich zu betrachten. Mit anderen Worten: Nacktheit war etwas, das man in bestimmten Situationen trug.
Künstler stellten viele der geschätzten Persönlichkeiten der griechischen Gesellschaft – darunter Götter, Sportler, Krieger und Helden – nackt dar. Nacktheit war in bestimmten Situationen ein Merkmal des öffentlichen Lebens: Zum Beispiel trainierten und traten Sportler nackt an, und Statuen des kräftigen nackten Halbgottes Herakles schmückten einen Tempel. Nackte, schrittweise Statuen junger Männer, genannt Kouroi, wurden sowohl als Opfergaben an die Götter als auch als Grabsteine verwendet.
Ein schöner, athletischer, jugendlicher Körper zu haben, sei es für sportlichen Wettkampf oder für Kriegskämpfe, war nicht nur ein Zeichen dafür, „kalos“ oder schön zu sein, sondern konnte auch dein „arete“ oder deine Exzellenz beweisen.
Sie verkörpern Ideale von Schönheit und Exzellenz
Diese abstrakten Ideale werden in einer berühmten Statue namens „Speerträger“ verkörpert, die vor etwa 2.400 Jahren vom Bildhauer Polykleitos geschaffen wurde. Er glaubte, dass Schönheit durch eine Harmonie der Teile erreicht wird. Neben seiner Symmetrie steht der „Speerträger“ in einer „Gegenposition“ ausbalanciert, mit einem stützenden und einem ruhenden Bein.
Der „Speerträger“ inspirierte viele Kopien, unter anderem als er fünf Jahrhunderte später als Modell für das Porträt des ersten römischen Kaisers Augustus diente.
Der Kaiser wird mit derselben athletischen Statur und der „Gegenposition“ dargestellt, wurde jedoch durch seine aristokratische Toga-Kleidung und aufwendig detaillierte Rüstung in ein bestimmtes Porträt verwandelt.
Hier vermittelt der Körper des Kaisers eine Gesamtbotschaft selbstbewussten Heldentums, während seine Gewänder Details zu seinem Status und seinen Errungenschaften ergänzen. Diese Statue zeigt, wie Kleidung sehr spezifisch für einen Moment, Ort oder eine Rolle sein kann, während klassische Nacktheit zeitloser wirken kann.
Die Klassiker wiedergeboren
Klassische Wiederbelebungen wie die europäische Renaissance um 1400–1600 n. Chr. und der Neoklassizismus um 1750–1900 n. Chr. brachten die „heroische Nacktheit“ zurück und halfen jedes Mal, dass sie noch stärker Teil der westlichen Kultur wurde.
Die Wiederentdeckung antiker Statuen, die nach dem Fall des Römischen Reiches in Trümmern begraben waren, begeisterte Künstler jener Epochen, und sie schufen viele Kopien und Adaptionen dieser Modelle. Skizzieren und Gestalten während des Studiums von nackten Live-Models wurden zu einem wichtigen Teil der Ausbildung von Künstlern, beginnend mit dem Aufkommen der Kunstakademien im 16. Jahrhundert.
Aber wie bei der Kleidung kann sich das nackte „Kostüm“ im Laufe der Zeit verändern.
Zum Beispiel stellt Michelangelos „David“, fertiggestellt 1504, den biblischen Helden als nachdenklichen Akten vor, der nur den Stein und die Schleuder trägt, die Goliath töten werden. Der schmale Hüftkörper von „David“ ist ein ganz anderer Typ als der „Speerträger“ und entspricht nicht den idealen Proportionen von Polykleitos.
Nacktheit wurde weiterhin mit gottgleicher Schönheit und Macht assoziiert. Michelangelos „Auferstehender Christus“ zeigt Jesus zum Beispiel heldenhaft nackt, göttlich und auferstanden.
Und obwohl ein Kaiser normalerweise kein Aktporträt hatte, bat der französische Kaiser Napoleon Bonaparte 1802 darum, als Mars modelliert zu werden, was ihn metaphorisch mit dem römischen Kriegsgott und visuell mit dem „Speerträger“ und „Apollo Belvedere“ in Verbindung brachte.
Ein anderer Maßstab für Frauen
Weibliche Nacktheit in der Bildhauerei hat ihre eigene Geschichte. Einige der frühesten Skulpturen zeigen nackte Frauen mit unnatürlich übertriebenen Brüsten, Hüften und Schamdreiecken, doch Wissenschaftler sind sich immer noch uneinig, wie sie sie interpretieren sollen.
Zum Beispiel wurde die 30.000 Jahre alte paläolithische „Frau aus Willendorf“, die 1908 entdeckt wurde, oft als „Venus von Willendorf“ bezeichnet, was sie mit der römischen Liebesgöttin von zehntausenden Jahren später in Verbindung brachte. Aber die Nacktheit der Figur hätte praktischer als erotisch sein können – zum Beispiel körperliche Veränderungen während der Schwangerschaft.
Im alten Mesopotamien vor 5.000 Jahren zeigen schöne Akte sowohl ideale Frauen als auch Göttinnen. In Griechenland galt weibliche Nacktheit jedoch als unangemessen und wurde erst im vierten Jahrhundert v. Chr. in Statuen populär.
Der bekannteste griechische weibliche Akt, die „Aphrodite von Knidos“ des Bildhauers Praxiteles, war für seine Zeit revolutionär und hat unzählige Kopien inspiriert, insbesondere für ihre bescheidene Geste, die ihre Genitalien bedeckt. Eine römische Anpassung dieser Geste, die sowohl Brüste als auch Genitalien abdeckt, ist als Venus-pudica-Typ bekannt und ist auch heute noch häufig zu sehen.
In Ägypten präsentiert der erste weibliche Pharao Hatschepsut einen faszinierenden Fall von Künstlern, die herausfinden, wie man einen weiblichen Körper in einer traditionell männlichen Rolle behandelt. Oben ohne und trägt einen Kilt und einen falschen Bart wie andere Pharaonen, ist ihr Körper sexuell ambivalent – der einer Herrscherin und nicht einer Frau.
Künstler arbeiten in der Tradition – oder auch nicht
Künstler aller Kulturen haben den menschlichen Körper als Subjekt erforscht, sodass Künstler heute einer sehr, sehr langen Tradition folgen, indem sie die menschliche Figur ohne Kleidung modellieren oder bemalen.
Sie können etwas anstreben, das nicht so sehr an eine bestimmte Zeit oder einen bestimmten Ort gebunden wirkt, wie es Kleidung aus einem bestimmten Moment tun würde. Oder sie versuchen, einige der gleichen Ideale auszudrücken wie die antiken Bildhauer, wie Vollkommenheit, Unsterblichkeit oder Göttlichkeit.
Doch viele moderne Künstler stellen diese langen Traditionen infrage und schaffen Statuen von vollständig bekleideten Figuren. Betrachten wir Thomas J. Prices „Grounded in the Stars“: eine 12 Fuß hohe, monumentale Skulptur einer Frau, die in heroischer Gegenposition steht, ein T-Shirt, Leggings und bequeme Schuhe trägt!
PM University of South Carolina
